ESENCIA-EXISTENCIA

Escena XXI
05/01/2018

“Mi alma se daba, dándose gozaba, y transcendía su esencia en goce. Se consumía en la alegría del que conoce.”
Ramón María del Valle-Inclán

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La felicidad de perder el tiempo. Lo peor de las fiestas es que luego hay que recogerlas.

La teatralidad necesita huir de los lugares comunes. Hurgar para no quedarse en la superficie. Trabajar desde la poesía y la metáfora. Corremos el riesgo de ser demasiado crípticos para algunas personas, pero lograremos que a otras les lleve a un lugar emocional que no conocían.

¿Hablar sobre la felicidad o buscar ser felices en el escenario?

¿Qué te hace feliz, y qué te gustaría hacer en escena?

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¿Cómo se hace para que confluya el teatro, la performance, la danza, lo audiovisual, las artes plásticas…? ¿Cómo se llama a cada uno de esos productos? ¿Hay etiquetas para todo?

La realidad es más fulminante que lo teatral. Para acercarse a lo real hay que asomarse al caos.

¿Cómo se coreografía la felicidad?

El tiempo modifica los recuerdos. Recuerdos felices que se transforman en algo triste. Recuerdos tristes que se transforman en algo feliz.

Placer corporal, no mental.

La integración entre distintas artes es algo que está ocurriendo en el teatro de toda Europa, y es algo que en lo que España aún tiene cierto retraso. Podemos hacer teatro que tome una dirección al respecto.

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Movimiento compartido, repetición, espiral, aprovechar inercias, vórtice, eterno retorno, variaciones.

Los actores tenemos en nuestras manos la capacidad de crear el teatro, crear arte y difundirlo, aunque sea a través de las redes sociales.

Trabajar de forma horizontal, trabajar en equipo, actor creador. Actores valientes a proponer, directores valientes a aceptar las propuestas de los actores y recoger su material.

 

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¿Qué le pasa al cuerpo cuando está feliz?

Felicidad, no como éxtasis, sino como sofrosine.

¿Cómo se llega desde las redes sociales a una propuesta teatral? Ser feliz online es agotador.

Parodia versus dolor. En vez de comedia versus drama.

Felicidad como olvido de uno mismo. Cuando uno danza y logra olvidarse de su propio cuerpo, puede aparecer los momentos felices.

Infancia.

Exigencia de la felicidad, exigencia de actividad, exigencia de productividad.

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Camino de la realidad colectiva a la teatralidad. Ida y vuelta.

Cuando un actor se encarna a sí mismo, ¿realmente está actuando?

En parte no, porque hay algo de uno mismo hasta en los papeles más extremos. En parte sí, porque en el escenario dejamos de ser nosotros; somos otros cuando nos actuamos a nosotros mismos.

La felicidad es como el humo: difícil de explicar.

Ritos que llevan a la felicidad.

HISTORIA e historias personales. Imágenes históricas de la felicidad, y Facebook.

Momentos vulnerables.
***(paráfrasis sueltas escogidas de los encuentros del festival Essencia 2017)***

 

Guille Pavón Gray

EntrevistARTE IV Patri_Rope “Sentirte libre estando atado”

 

Entrevista: Adolfo Simón

Cámara y montaje: Patricia Jorge

ARTE, RAZA Y EL FILTRO BLANQUEADOR DE LA PERSPECTIVA EUROPEA

Escena XXI
15/12/2016

 

 

 

Hace un ratito me topé con Anuang’a Fernando. Un bailarín contemporáneo nacido en Kenia que basa su trabajo en recuperar y trasladar bailes africanos tradicionales, haciendo especial hincapié en los movimientos y voces de la cultura Maasai. Su trabajo se ve nutrido de manera evidente por sus raíces pero desde una perspectiva y un hacer contemporáneo.
Ver bailar a Anuanga es una experiencia cargada de una belleza excepcional y toda la fuerza que la raíz contiene. Volver a los orígenes siempre es un acierto y en este caso un homenaje artístico a lo puro llenito de emoción.

Soy una mujer Afrovenezolana que vive en España desde hace más de 14 años y ver este tipo de propuestas suponen un verdadero aliento e incluso las tomo como un espacio para la reivindicación. Volver a las raíces mientras vives en Europa creo que además de un homenaje es eso, una reivindicación.
Mientras pensaba en esto se me venían también otras reflexiones en relación a cómo perciben los europeos este tipo de propuestas. Y sobre esto tengo algo que decir:
Creo que es una maravilla que un tipo traslade la cultura Maasai a los teatros pero me asusta y me enfada pensar que para que haya gente que se acerque a ello necesite de ese contexto “europeizado”.
Es decir, acercarse a una cultura distinta desde la egolatría y la condescendencia. Es decir, necesitar que pase por el filtro de lo cool y lo blanco para que te interese. Es decir, seguir en tu pedestal.
Si un día estás cómodamente en el sofá de tu casa haciendo zapping y sin querer tropiezas con un documental de Maasais y para ti son solo unos negros que pegan saltos y hacen ruidos raros creo que no te mereces maravillarte con ello desde la butaca de un teatro. Porque si no te interesa eso en toda su pureza no puede interesarte en una sala alternativa de un barrio parisino. Realmente no te interesa. Lo único que quieres es dotar tu perspectiva de lo pintoresco. Y eso está muy feo.

Es por eso que a ciertas personas racializadas nos molesta tanto la apropiación cultural. Porque parece que para que las rastas, los turbantes, los tatuajes de henna, los pañuelos modelo palestina, la cumbia, la salsa, el plato senegalés que te comes en Lavapies y un largo etc se hayan podido integrar y aceptar en la cultura europea ha hecho falta que pasaran por El Filtro Blanqueador. Un filtro que se encarga de dar el visto bueno a aquellos elemento culturales ajenos y que en muchas ocasiones supone un proceso necesario para que estos elementos lleguen a calar en sociedades blancas.

Pero, en fin. Volviendo a Anuang’a y teniendo en cuenta esta reflexión que he soltado al aire sobretodo como una preocupación, creo que es absolutamente bello, inspirador y necesario que surjan este tipo de trabajos. Y es maravilloso que sea el arte el hilo que nos conecte porque el resultado es una absoluta delicia. El arte, como siempre, si es honesto, puede unir, salvar y sanar.

Como Anuang’a nos pilla un poco lejos recomiendo una artista residente en Madrid y que se encuentra continuamente en activo. Ella es Lilian Pallares una escritora, poeta y creativa audiovisual nacida en Barranquilla (Colombia) y que, entre otros trabajos, lleva a cabo el proyecto “Afrolyrics: Una historia de amor y tambor”, una propuesta escénica que aúna música, danza y poesía y que nace también desde la ancestralidad y el rito. Os animo a acercaros a otro tipo de propuestas, nacidas desde contextos distintos a los que habitualmente podemos encontrar en España y hacerlo con la mirada limpia y con una predisposición honesta.

 

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Sofía Perdomo

SEQUENZA VOCAL

Escena XXI
15/12/2016

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Aquello que no se ve tiene el poder de adentrarse sin permiso y sin aviso. El sonido tiene alma de cazador, con un alcance desconocido, está presente desde que nacemos para marcar el tempo de sangre. La pulsión tiene ritmo y resonancia, creo entender que son esos ecos los impulsores de nuestros instintos más primarios.

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África Anamú

 

 

 

EntrevistArte II: María Velasco “Escribo desde la crisis”

Escena XXI
15/12/2016

 

 

 

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Hasta los hombres viejos, tú, te permites perder el tiempo. Conmigo. Como si yo fuera una enfermedad crónica. Hipertensión-Hipotensión. Una crónica no escrita. Oral. Que es por la vía por la que se transmiten los virus. La juventud lo es: un virus.
María Velasco

 

 

 

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Entrevista y vídeo: Adolfo Simón

Fotografía: Patricia Jorge

 

Romeo Castellucci

Escena XXI
15/11/2016

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Fran Martínez

Sinapsis

Escena XXI
22/02/2016

¿Se puede informar performáticamente? ¿Es posible que el mundo virtual sea un espacio de arte y comunicación?…

“Hemos estado haciendo pruebas en los primeros meses de vida de este laboratorio virtual de comunicación… Intentando encontrar el formato y contenidos para lanzar el primer número de EXXI… un expediente mensual donde reflexionaremos virtualmente sobre el arte y la comunicación. Y no dejaremos de indagar, no pretendemos un espacio estanco y amable; queremos seguir equivocándonos en el uso de la comunicación en el siglo XXI… tal vez encontremos alguna respuesta.”

Adolfo Simón